《永远的明天: 中国艺术进行时》是奥克兰美术馆 (Auckland Art Gallery) 2026 年推出的一场重要群展，汇集 40 余位艺术家的 60 余件作品，涵盖影像、装置、雕塑等多种媒介，呈现从上世纪 80 年代至今中国当代艺术的发展脉络，是一次具有整体视野的阶段性梳理，也是迄今规模最大的中国当代艺术展览。

展览以社会转型为线索，将不同代际艺术家的创作并置，勾勒出中国在全球化与技术变迁中的复杂面貌。其中，徐震的作品亦在展览中亮相，成为这一叙事中的重要一环。作为新西兰最重要的公共美术馆之一，奥克兰美术馆长期致力于引入国际重要展览与推动跨文化对话，在亚太地区具备持续的学术与展览影响力。

《永远的明天: 中国艺术进行时》通过雕塑、摄影、数字艺术等多种媒介，呈现中国当代艺术中具有开创性的实践。展览紧扣当下语境，探讨快速变化与社会转型等核心议题。展览以1978年中国改革开放为起点，跨越数十年的艺术发展，聚焦新一代中国艺术家如何回应社会结构的深刻变迁——从乡村到城市、从传统到现代、从工业阶段迈向全球化体系。

展览汇集了徐冰、徐震、杨福东等国际重要艺术家的代表作品，同时也呈现了多位首次在新西兰展出的前沿艺术家，包括陆扬、张培力以及 2024 年希克奖得主王拓。《永远的明天: 中国艺术进行时》通过对中国传统工艺的当代转译、具有压迫感的机械雕塑以及富于沉思性的数字景观，呈现出中国当代艺术的复杂性、创新性与前瞻视野，邀请观众进入一个持续演变、充满活力的文化现场。

在这个自然光线充沛的垂直大厅空间中，徐震的大型雕塑作品《永生 – 天龙山石窟菩萨半跏像，萨莫特拉斯的胜利女神》作为《永远的明天: 中国艺术进行时》展览的重要作品被呈现。历年来，这个美术馆的标志性建筑大厅呈现了包括 Olafur Eliasson、Tino Sehgal、Simon Denny、Judy Darragh 等国际及本地重要艺术家的大型现场装置。

本次展览的策展人 Hutch Wilco 表示: “《永远的明天: 中国艺术进行时》汇聚了能够呈现生活经验的强有力作品——劳动、迁徙、家庭、亲密关系以及技术。这些作品跨越不同世代，展示了艺术家如何将日常生活的情感与心理维度具象化。整体来看，它们共同描绘了一幅当代经验的生动画面，邀请观众思考这些变化如何持续塑造个人生活与共享的未来。”

在奥克兰美术馆展出的《永生 – 天龙山石窟菩萨半跏像，萨莫特拉斯的胜利女神》（2014）曾于徐震在北京UCCA尤伦斯当代艺术中心举办的个展“徐震：没顶公司出品”（2014）中展出，随后于巴黎路易威登基金会举办的群展“本土：变革中的中国艺术家”（2016）中再次呈现，并被该机构收藏。

自 4 月 2 日（星期四）起，徐震的大型雕塑作品《永生 – 天龙山石窟菩萨半跏像，萨莫特拉斯的胜利女神》在奥克兰美术馆大厅展出。

“永生”系列取材于全球各个博物馆里的中西方的无头雕塑，徐震将它们重新翻制，创作成新的艺术品。在这些原本残缺的雕塑作品缺失的头部，嫁接了同样来自世界各地博物馆的、无头而又残破的雕塑。

这些被誉为永恒的艺术、永生的神与佛，代表着人类历史文明的最高水准。同时也记录着人类历史殖民和暴力，及各种文化之间纠缠不清但又共生的关系。徐震把这些永存于艺术史的、中西方古典雕塑重新创作和组合，创造出一种比观众早已习以为常的“古典雕像残缺美”更为触目惊心的视觉效果，它不仅指涉令人敬畏的艺术史，象征了人类巴别塔式的、似乎永远不可调和的分歧，更显示出一种东方智慧下的包容的情怀。

这些作品乍看之下，似乎延续了将不同区域视为彼此分离之文化发展领域的传统观念——这些区域被认为分别承载着截然对立的宗教经验与政治公共生活形态。

徐震在《永生(帕台农神庙东翼)》中将帕特农神庙作为唯一支点，承托倒置的佛教造像，这一处理甚至可被视为一种带有反讽意味的文化隐喻：西方常被关联于稳固的物质根基，而东方则被想象为悬置的精神维度。然而，在其更广泛的艺术实践语境中......这种雕塑语汇的融合并不止于文化对置，而是指向将历史物质遗存转化为“信息物”或承载编码“文化基因”的媒介。当这些元素被并置呈现时，正如他所言，“它们之间的关系显得极为自然，仿佛本应共存……被重新界定并重新组合。” (Alex Burchmore, 艺术史学家、写作者，摘自“‘Xu Zhen: Eternity Vs. Evolution’ at the National Gallery of Australia, Canberra”, 2020, Randian）

在 2015 年与 Philip Tinari 的对谈中，徐震将这一重组与后互联网语境下单一文化身份的松动相联系，以至于“难以分辨某件作品由谁创作，亦难以判断其来自中国还是其他文化背景”。在这一逻辑之下，装饰着这些暧昧的跨文化（混）合符号的空间——例如澳大利亚国立美术馆展厅中粗野主义建筑所形成的体量——呈现出一种近乎普遍化的象征尺度：如同征服者的穹顶，不同历史与文化的“战利品”在此彼此竞逐，其原有意义与特定性被不断剥离，并在新的展示语境中被重新编排与再度赋义。 (Alex Burchmore）

《欧洲千手古典雕塑》（2014）在正面观看时，营造出一种统一性的幻象——或许更准确地说，是一种“超主体性”的幻象：一系列象征欧洲与北美诸神或寓言人物的雕塑形象，被整合进一个由复合结构构成的观音像之中，仿佛重构了这位千手观音这一慈悲化身的摹本。然而，这种统一性在观者绕行雕塑的瞬间即被瓦解：其内部结构的断裂与人工拼接清晰显现，揭示出其建构的碎片性与人为性。这种物质层面的裂隙，也仿佛对应着一种同样脆弱且被刻意构造的理想——关于地缘政治和谐或信仰普遍融合的乌托邦想象，而正是这种想象，长久以来被诸多理想主义者所投身与寄托。 (Alex Burchmore）

艺术史学家 Paz Monge 评论道：“《永生》系列体现了中国当代艺术家对平庸文化交流的蔑视和反抗精神……在《永生》系列中，他呈现出东西方文化之间被刻意构建出来的关系和理解，以及二者之间的人为制造的互动。如果忽略其观念构成，《永生》很可能会被简单看作是一幅生硬的、充满争议的神祇图像拼贴。然而，借助德里达的语言学模型，我们能重新厘清徐震作品中敏锐、严谨的理论结构。从根本上说，随着徐震持续在东西方艺术界亮相，我们也得以证明：艺术确实能够超越文化边界，成为具有普遍性的存在。”（Paz Monge，阿布扎比古根海姆美术馆策展人，摘自“In what ways could an art object made in one place resonate in another? Art by Xu Zhen”，2017）

艺术家徐震

艺术家、策划人。1977年出生，现工作和生活于中国上海。

徐震是中国当代艺术领域的标志人物，2004年获得中国当代艺术奖（CCAA）“最佳艺术家”奖项，并作为年轻中国艺术家参加了第49届威尼斯双年展（2001）主题展，徐震的创作非常广泛，包括装置、摄影、影像和行为等。

他的作品在世界各地的博物馆和双年展均有展出，包括威尼斯双年展（2001，2005）、纽约现代艺术博物馆（2004）、国际摄影中心（2004）、日本森美术馆（2005）、纽约现代艺术博物馆PS1（2006）、英国泰特利物浦美术馆（2007）、英国海沃德画廊（2012）、里昂双年展（2013）、纽约军械库展览（2014）、上海龙美术馆（2015）、卡塔尔Al Riwaq艺术中心（2016）、悉尼双年展（2016）、纽约古根海姆美术馆（2017）、沙迦双年展（2019）、洛杉矶当代艺术博物馆（2019）、澳大利亚堪培拉国立美术馆（2020），深圳市当代艺术与城市规划馆（2024）等。

在艺术家身份之外，徐震同时还是策展人和艺术活动组织者。1998年，徐震作为艺术总监参与了上海第一家独立的非营利机构比翼中心。2006年，他与上海艺术家一起创办了网络艺术社区Art-Ba-Ba（www.art-ba-ba.com），至今还是中国最活跃的探讨、评论当代艺术的平台。2009年，徐震创立了当代艺术创作型公司没顶公司（MadeIn Company），以生产艺术创造力为核心，致力于探索当代文化的无限可能。2013年，没顶公司推出徐震®，专注于艺术品创作和新文化研发。2014年，成立没顶画廊，全方位推广艺术家，引领文化浪潮。2022年，成立没顶美术馆。2025年，成立当代艺术平台——洞。


策展人

Hutch·E·Wilco

Hutch·E·Wilco 是一名策展人、作家及展厅设计师。从业近三十年间，他曾在新西兰和中国筹办了多场高规格博物馆和美术馆项目。他旅居上海近十年，起初就职于当地的私营艺术行业，之后创立了一家专门从事策展研究和展览规划的展览设计机构。他曾为中国各地最具影响力的博物馆和美术馆策划展览，对 1980 年代以后的中国艺术家尤其关注，并常常为国际艺术刊物撰稿。


奥克兰美术馆

奥克兰美术馆（Auckland Art Gallery）是新西兰领先的文化艺术机构，致力于呈现艺术、激发思想，并服务多元社区。奥克兰美术馆拥有四层展览空间的获奖建筑，是新西兰最大、最具启发性的文化艺术体验场所。

馆内拥有超过 18,000 件馆藏及借展作品，包括新西兰历史、现代与当代艺术、毛利及太平洋地区艺术家的重要作品，以及精选国际绘画、雕塑和版画收藏。作为奥克兰市中心的重要文化平台，它在多元社区中发挥着包容性和连接性的核心作用。